Metrópolis, Tania Bruguera

Metrópolis - Tania Bruguera

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Tania Bruguera está considerada una de las artistas cubanas de más prestigio de la actualidad, figura internacional del arte de performance, y creadora del llamado "arte de conducta"; sus obras, siempre polémicas, invitan a la reflexión política. Reportaje emitido en RTVE el 12 de diciembre de 2010.

Regina José Galindo: Piel de Gallina en Artium

ARTIUM presenta la exposición Piel de gallina, de Regina José Galindo.
Primera gran exposición en España de la artista guatemalteca, cuyas performances son metáfora del sufrimiento y la injusticia social

Exposición:
Regina José Galindo. Piel de gallina
Sala Norte, desde el 27 de enero hasta el 1 de mayo de 2012
Comisaria: Blanca de la Torre 
Producida por ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), TEA (Santa Cruz de Tenerife) y CAAM (Las Palmas de Gran Canaria).

Beth Moysés, Recuerdos Velados

"Son cien mujeres. Caminan en fila por algunas de las calles más transitadas de Bogotá. Cada una luce un vestido de novia que con la larga caminata deja de ser un pulcro recuerdo ceremonial y se transforma en un traje desgastado y sucio. En las manos de cada mujer reposa una canastilla y en ellas un montón de recordatorios que entre almendras y tarjetas evocan algún viejo y dulce ritual.

Recuerdos Velados, nombre del performance de Beth Moysés, ha sido visto en diversos países. En él se conjugan varios de los elementos que han marcado la propuesta de la artista brasilera, quien a partir de aspectos como la memoria, la decepción y la resistencia ha logrado consolidar un discurso estético en que, más allá de los estereotipos, el fin se convierte en principio y las historias dulces se pierden en desenlaces trágicos.

El recuerdo impreso en aquellos trajes, la evocación de momentos aparentemente felices, son solo un punto de partida para reconstruir un centenar de destinos cuyas escenas posteriores no siempre coinciden con esos fragmentos de memoria. Unos destinos que, incluso, en medio de la acción artística se ven marcados por los comentarios displicentes de la calle, los piropos machistas y los cambios de ritmo que se desprenden de las diferencias “ambientales” (medidas por la agresividad) entre unas calles y otras.

La estación “final”, si es que esa palabra cabe, la iglesia de Lourdes. Cien novias congeladas frente a su fachada por algunos minutos para luego disponerse a repartir recordatorios entre los presentes. Ese punto protagónico del ritual marcado por la palabra “miedo” y algunas almendras se da justo cuando los trajes han perdido su esplendor, como resultado de la rutina previa, y los antes han sido reemplazados por este único momento en que mentiras y verdades se confunden en un trozo de tul.

La acción que pudo observarse en Bogotá contó con la participación de mujeres colombianas que estuvieron inmersas en alguna situación violenta. Y se desarrolló como parte de los actos de conmemoración del día de la mujer, gracias a organizaciones como la Fundación Arteria y UNIFEM".

Texto: Olga Lucía Lozano.

Más información y texto completo: http://lasillavacia.com/sites/default/files/media/labutaca/estonoesbonito/8411/8411_resena.html

Esther Ferrer en ARTIUM

Esther Ferrer. En cuatro movimientos

Sala Norte, del 08/10/2011 al 08/01/2012

El accidente es parte de la performance"

"Cuando el concepto está desnudo y todo el mundo lo puede ver, la idea tiene que ser buena"

"Cuando todo está controlado por la institución ya no hay libertad"

"No hago arte para el otro, hago arte para mí"

"El arte es el único espacio de libertad"

Estas frases de Esther Ferrer, recopiladas durante años de conversaciones, nos presentan a una artista radical, independiente, anti-exposición, libre y con ideas propias. Todo ello la ha convertido desde el inicio de su trabajo como artista, que es lo mismo que decir desde que empezó a hacer cualquier cosa, en alguien incómoda y admirable, en un ejemplo para todos y a la vez en alguien difícil de ajustar a los roles asignados a un artista por el sistema artístico actual.

Lleva más de cuarenta años desarrollando un trabajo sistemático, riguroso y metódico en torno al conocimiento del mundo, y aunque ella afirme que solamente le interesa su trabajo mientras lo está haciendo, en su taller, es inevitable buscar qué sucede con esas obras cuando salen de su taller, cuando salen de su boca. Y lo que ha sucedido hasta hace muy poco es que era absolutamente desconocido en España, aunque reconocido internacionalmente. Poco a poco se han ido viendo algunas de sus performances, viendo alguna de sus obras… poco a poco y deslavazadas. Pero es que Esther Ferrer no quiere exponer, y no es fácil, primero, convencerla y, después, reducir su pensamiento a un puñado de obras en unas salas.

Podríamos decir que toda su obra se reduce a una sola: Esther Ferrer. Ella es la obra, no solo ella, su cuerpo y su energía en las performances, sino ella, siempre ella, en sus objetos, en sus autorretratos, en su búsqueda del infinito a través de los números Pi; ella en definitiva, con su cuerpo, su voz, sus ideas, sus palabras, su lógica y su desmesura. Simplemente genial, intentar sistematizar su trabajo y reconducirlo a una exposición resulta una lucha que solo se puede realizar entrando en el epicentro de su pensamiento. Hablando con sus palabras, mirando con sus ojos, tocando con sus manos. Por esto hemos elegido cuatro ideas que están presentes siempre en todos sus trabajos, de una forma o de otra: el tiempo, el infinito, la repetición y la presencia. En cuatro movimientos, en cuatro bloques centrados en cada uno de estos conceptos, la exposición reúne obra objetual, instalaciones y documentación de sus performances, obras esenciales en su trayectoria, y otros trabajos inéditos; algunos nunca vistos, nunca realizados y otros pensados explícitamente para esta ocasión.

No se trata de una muestra retrospectiva, porque Esther no es especialmente amiga de mirar hacia atrás, tampoco es una antológica, porque eso es propio de artistas que han terminado su trayectoria artística y Esther Ferrer sigue activa, como siempre. En cuatro movimientos pretende poner a la vista de todos cuatro de los ejes sobre los que se construye la obra de toda una vida y, especialmente, mostrar una obra de arte siempre en construcción, en permanente progreso y desarrollo: Esther Ferrer.

Hannah Wilke en ARTIUM

Interesante texto publicado en action.art sobre la exposición que se celebró en ARTIUM en 2006 sobre Hannah Wilke. Incluimos un fragmento y recomendamos su lectura:  http://www.geifco.org/actionart/actionart01/nmP/_cuerpoImagen/hWilke/HannaWilke.htm

Hanna Wilke, artista norteamericana (Nueva York 1940-1993) pionera en los años setenta de la aproximación feminista al arte y de la lucha por acabar con la inexistencia de la mujer en el ámbito artístico. La muestra acoge 60 obras, en un recorrido que comienza por sus primeros dibujos y esculturas y se adentra en las diferentes técnicas y cuestiones que abordó a lo largo de su trayectoria artística. Wilke se inició en el arte como escultora, técnica que practicó con materiales tradicionales (cerámica) y otros enteramente novedosos (chicle, goma de borrar, látex); pero además abordó con intensidad la performance, la fotografía, el vídeo, la pintura y el dibujo. Criticada e incomprendida por sectores del feminismo más radical de la época, su cuerpo se erigió en el centro de su arte, su biografía personal fue su inspiración artística y su lucha política en el seno del feminismo constituyó el engranaje en el que se articuló su obra. "Exchange Values" (el título, prestado de Marx y utilizado por la artista en una de sus performances, tiene una doble interpretación: "valores de cambio" o el imperativo "cambia de valores") es la primera exposición de Hannah Wilke en España y una de las escasas oportunidades de ver un conjunto amplio de su obra en Europa. La exposición es una producción de ARTIUM que se acompaña de una serie de conferencias y un ciclo de cine independiente que enmarcan el contexto artístico de Hannah Wilke.

Hannah Wilke: So Help Me Hannah, 1979	Hannah Wilke: So Help Me Hannah, 1979

Hannah Wilke perteneció a la primera generación de artistas americanas feministas que de manera consciente dedicaron buena parte de sus energías a sacar a la luz su situación de desigualdad o mejor dicho de ausencia en el ámbito social y artístico, dominado por un arraigado discurso patriarcal. En los años setenta, Wilke y otras muchas reivindicaron a través de su arte el reconocimiento de la especificidad de su género y la posición de mujer sujeto frente a la de mujer objeto que había ocupado tradicionalmente en la historia del arte. En ese sentido, la imagen de la vagina se convirtió en un elemento clave en la expresión artística de estas mujeres, un icono que les permitía distanciarse de sus colegas varones y, paralelamente, para rescatar el sexo femenino de su consideración como algo pecaminoso o como mero símbolo de fertilidad.

Este es el contexto en el que se desarrolló el trabajo de Hannah Wilke. Su propio cuerpo, y por extensión su propia vida, se convirtió en el elemento clave que permitió a Wilke abordar asuntos de carácter universal (algunos de ellos de enorme actualidad hoy en día) a lo largo de toda su trayectoria: la defensa de la diversidad cultural, religiosa o étnica, la denuncia tanto de la opresión de la mujer como del fanatismo feminista, la dignidad de la vida humana, el dolor, la enfermedad o la muerte.

Comencemos por el principio

Queremos recoger en este blog una mirada crítica y analítica de la performance o arte de acción.

Pero también incluiremos fotografías, vídeos, noticias, pensamientos e ideas que versen sobre este mundo y puedan enriquecer nuestra percepción de esta disciplina artística.