Performance ‘Una, gran i lliure!’ de Marc Montijano en la Hidden Gallery

Dentro de un círculo de cuerdas y con uno de sus característicos sacos cubriéndole el rostro, el artista Marc Montijano (Vic, 1978), ha estado interactuando con diversos objetos relacionados con el independentismo (documentos, fotografías, folletos, carteles, banderas, etc.); un material que fue reuniendo el otoño pasado durante la primera fase de documentación del proyecto expositivo. El resultado ha sido una polémica performance a modo de catarsis, como el propio artista ha explicado: ‘Mi intención era plasmar, explicar sin filtros, mi punto de vista sobre el independentismo. Soy catalán y es un tema que me preocupa. Sé que es una obra polémica y que me va a traer problemas, pero los artistas estamos para invitar a pensar, no para hacer amigos’.

Uno de los momentos más destacados de la acción, ha sido la realización de una ‘estelada’, bandera independentista, tomada como base de la bandera catalana, ‘senyera’, utilizando para ello retales de una franquista. Tras dibujar el perfil de la ‘estelada’ sobre la bandera catalana, ha recortado trozos de una bandera franquista y los ha ido pegando poco a poco, muy lentamente, hasta transformar la ‘senyera’ en una bandera independentista. Una metáfora visual del proceso que, según el artista, está viviendo Cataluña.

‘Con este proyecto, dice, quiero denunciar la manipulación que está sufriendo la sociedad catalana y el delicado camino al que se dirige. He empleado como título uno de los lemas del franquismo traducido al catalán: Una, gran i lliure. Porque quiero subrayar el paralelismo entre el independentismo y la dictadura de Franco. El nacionalismo independentista es la política oficial y gota a gota están logrando que sea la única línea de pensamiento socialmente aceptada. Intentan crear una única opción válida en Cataluña, y en consecuencia un clima cada vez más cerrado e intolerante con las opiniones contrarias al independentismo; que se basa en dos elementos absolutamente fascistas: un nacionalismo con componentes victimistas y un eficaz aparato de propaganda’. La performance se celebró el 11 de enero, coincidiendo con el acto inaugural de la conmemoración del Tricentenario de 1714.

Marc Montijano, artista visual y performer es uno de los más destacados representantes de la nueva generación del arte de acción en España. Su obra, con gran peso conceptual discurre por un camino propio. La estética turbadora y el fuerte peso mediático de sus performances, esconde un universo reflexivo y fecundo, con fuerte base teórica y trasfondo espiritual. Su trabajo nunca ha estado exento de controversia por los temas sociales que aborda. Entre sus obras destacan las once performances que llevó a cabo en el CAC Málaga entre 2010 y 2011 abordando temas de maltrato a la mujer o la primavera árabe; la performance que realizó con cuatro modelos desnudos ante la catedral de Jaén en 2012; y la acción frente a Bankia en Madrid, entre otras.

FUENTE: http://infoenpunto.com/not/11603/performance__lsquo_una__gran_i_lliure_rsquo__de_marc_montijano_en_la_hidden_gallery/

Ana Gesto, Gallarda

Ana Gesto (n. Santiago de Compostela, 1978).
Video-performance GALLARDA / Duración 3,25 min / Video digital/ 2013

Yolanda Domínguez, acción para Médicos del Mundo

Madrid, 18 de noviembre de 2013. Vas en el metro y te encuentras a un hombre con la típica bata de preoperatorio y pantuflas, agarrado a un pie de suero y pidiendo dinero a los viajeros para operarse. En la puerta de una iglesia, otro hombre que necesita diálisis mendiga unos euros para poder llegar al hospital porque ya no le financian el transporte en ambulancia. En plena calle, una anciana con hipertensión recoge monedas para pagarse unas medicinas que no puede costearse.

Esta acción tiene como objetivo visibilizar los problemas reales a los que ya se enfrentan muchas personas con los recortes sanitarios en España (jubilados, inmigrantes, personas con enfermedades crónicas, parados...) y a los que nos podemos enfrentar todos en un futuro si la salud se convierte en un lujo reservado sólo a unos pocos.

Varios actores y actrices, vestidos con bata de hospital, zapatillas y pie de suero recorren las calles de Madrid pidiendo para poder recibir atención sanitaria o comprarse medicamentos, recreando una de las escenas hospitalarias que transmite mayor vulnerabilidad: la del enfermo a punto de operarse "con el culo al aire". Una metáfora del desamparo y la indefensión en la que se encuentra la población que no puede pagar una sanidad privada.

Las impactantes escenas que forman parte de la campaña Nadie Desechado de Médicos del Mundo, lograron conmocionar a los transeúntes que asumiendo que podría tratarse de algo real ofrecían ayuda y socorro a los enfermos y expresaban su desasosiego con toda clase de comentarios y reflexiones: "¡Qué horror!", "¿De verdad estamos convirtiendo este país en esto?"...

En este caso la dura realidad que están viviendo muchas personas desatendidas supera con mucho la ficción.

http://www.yolandadominguez.com/es/accion-para-medicos-del-mundo.html

http://www.medicosdelmundo.org/index.php/mod.conts/mem.detalle_cn/relmenu.111/id.3462

Entrevista a Andrés Senra en XTRart

Interesante entrevista realizada por Carlos Delgado Mayordomo a Andrés Senra, publicada en marzo de este año en XTRart (www.xtrart.es). Incluimos tan sólo el encabezamiento y recomendamos su lectura:

"Los últimos trabajos de Andrés Senra (Río de Janeiro, 1968) se han desarrollado en el espacio público de la ciudad con la intención de reinterpretar su operatividad en la construcción de la identidad individual y colectiva. Su posición es la de un ciudadano que forma parte activa en la comunidad que habita y, también, la de un cartógrafo que busca crear un mapa basado en las experiencias vividas, los conflictos no resueltos y las memorias olvidadas. La elaboración de obras como “Plaza solución” (2011) y “Vox populi” (2012), ambas en colaboración con Diana Larrea, supone una resistencia crítica a los códigos que, desde el poder político, se imponen en la comprensión de nuestro presente; estas creaciones, además, tienen en cuenta a la población no solo como audiencia sino como sujeto de la acción involucrado en la definición de su entorno.

La reflexión de Andrés Senra sobre la construcción de la identidad como un concepto relacional, dependiente de los contextos en los que se desarrolla, ha enlazado de manera transversal con otras temáticas como la (im)posibilidad de la utopía, la función comunicadora del lenguaje o la interferencia de la situación económica en el paisaje urbano. En este sentido, “Let’s bank” (2012) es uno de sus trabajos más contundentes: la apropiación y transformación de la señalética de las fachadas de sucursales bancarias cerradas por la crisis se realizó a través de fragmentos de la Constitución Española y de frases de carácter utópico; esta estrategia ponía de relieve las contradicciones de los discursos político-económicos actuales y acentuaba las fisuras que configuran la idea del Estado de Bienestar.

En íntima relación con proyectos anteriores como “Auslandia” (2008-2009), donde narraba la creación, crisis y destrucción de una comunidad en una ciudad réplica del Berlín actual, su último proyecto incide en el análisis de otra cartografía disidente: a partir de una residencia artística en Christiania, Copenhague (www.crir.net), zona autogestionada cuyas normas y modos de convivencia -ajenas al resto del mundo- se deciden en asamblea por parte de todos los vecinos, Andrés Senra ahonda en su reflexión sobre la ciudad no como una topografía dictada desde el poder, sino como un espacio generado a través de la autobiografía de sus propios habitantes".

FUENTE: http://www.xtrart.es/2013/03/20/andres-senra-entrevista-por-carlos-delgado-mayordomo/

Alicia Framis

LOST ASTRONAUT (New York,2009)

Alicia Framis, es una artista nacida en 1967 en Barcelona, España, licenciada en Bellas Artes en la Facultad de Sant Jordi de la Universidad de Barcelona y Escuela de Bellas Artes de París.
Sus performances se centran en diferentes aspectos de la existencia humana dentro de la sociedad urbana contemporánea. Sus proyectos están fuertemente influenciados por la realidad que nos rodea.

Web de la artista: www.aliciaframis.com
Entrevista en El Cultural: www.elcultural.es/noticias/BUENOS_DIAS/3740/Alicia_Framis

Marc Montijano en la Galería JM

El sábado 26 de octubre el artista Marc Montijano realizó la performance Exiguo marmore (Metamorfosis XX), dentro del proyecto MAUS en la Galería JM. Un trabajo con el que planteaba un reflexión sobre el materialismo y la fugacidad de la vida.

A las cinco de la tarde, la galería se fue llenando de unos pobladores particulares, varios modelos en estado de metamorfosis, tomaron el espacio con la estética que caracteriza las creaciones de este artista (completamente desnudos, con el rostro cubierto por un saco y rodeados de cuerdas). El punto central de la acción giró entorno a un amplio escaparate. En él Montijano dispuso una composición formada por cinco modelos mirando hacia el exterior, para que los viandantes se los encontraran por sorpresa.

A los poco minutos, numeroso público se fue agolpando en la entrada de la galería. A través de la cristalera observaban como, uno a uno, el artista iba disponiendo a los modelos por la sala, hasta un total de ocho. Permanecían expectantes e incluso hablaban bajo, a pesar de estar en la calle, como si no quisieran malograr el ambiente que se genera entorno a las obras de este artista, con ese halo de espiritualidad.

Durante toda la performance, este grupo de esculturas vivas permaneció inmóvil, a modo de espejo interior, recordándonos quienes somos en realidad. Como ha indicado el artista: "Esta obra nos retrata a todos, es como un espejo en el que la sociedad puede ver su interior, exhibo nuestra naturaleza espiritual. Lo planteo como una crítica al materialismo inútil que demasiadas veces gobierna nuestra vida y enturbia nuestra percepción de la vida".

El título de esta performance, Exiguo marmore (pequeño mármol, en latín), lo ha tomado Marc Montijano de una frase de Propercio, un poeta latino del siglo I a.C.: "Pronto sólo seré un nombre en un pequeño mármol". Una aseveración que coincide con la filosofía de Metamorfosis y que nos habla de lo poco que importan los éxitos materiales y mundanos que tanto nos preocupan y martirizan.

http://www.anotacionesdearte.com/2013/10/performance-de-marc-montijano-en-la.html

Joan Morey en Spai Tactel

ESPOLONES 06/09/2013 — 31/10/2013

ESPAI TACTEL presenta una muestra individual de Joan Morey (Mallorca, 1972) que lleva por título ESPOLONES [Éperons/Spurs/Esperons]. El artista generalmente utiliza el performance como herramienta principal en el desarrollo de su obra, aunque prolonga muchos de sus proyectos desde formatos como el sonido, la imagen de documentación (fija o en movimiento), ediciones gráficas o restos escenográficos.

Joan Morey toma prestado el encabezamiento de la conferencia de Jacques Derrida “Espolones. Los estilos de Nietzsche” (1972) como título de la exposición. Anteriormente el texto de esta conferencia fue el punto de partida para realizar el guión de un performance del artista (GRITOS&SUSURROS, Conversaciones con los Radicales, 2009) cuyo registro sonoro es el epicentro de la muestra. En esta ocasión la pieza de audio (que invade todo el espacio) sirve como partitura de la que se desprenden el resto de obras.

ESPOLONES [Éperons/Spurs/Esperons] reúne una serie de trabajos en los que Joan Morey emplea palabras o textos de carácter ideológico para reducirlos a diagramas de significado. De este modo aparecen piezas en formatos y soportes diversos (que van desde la instalación —a modo de mapa de objetos que de algún modo ilustran el texto— pasando por la fotografía o el dibujo —a través del que presenta situaciones confeccionadas a partir de palabra escrita). A grandes rasgos es una propuesta que tiene como premisa el uso de la “palabra” como soporte y de la “voz” como medio para insistir en el leitmotiv que subyace en la mayoría de sus trabajos: la dialéctica del amo y el esclavo en un acercamiento y análisis de los dispositivos de poder con el fin de resituarlos en un plano de actuación artística.

Más información: http://espaitactel.com/espolones/

Esther Ferrer, El arte de la performance

Esther Ferrer. Extractos de "El arte de la performance: teoría y práctica" from Es Baluard on Vimeo.

Extractos de la performance titulada "El arte de la performance: teoría y práctica", que Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) llevó a cabo en Es Baluard el 26 de enero de 2012 como actividad paralela a la exposición “En cuatro movimientos”. Esther Ferrer fue reconocida con el Premio Nacional de Artes Plásticas 2008 y es uno de los precursores de la performance en España.

Más información www.esbaluard.org/es/activitats/301/el-arte-de-la-performance-teoria-y-practica.

Pido para un Chanel, Yolanda Domínguez

El objetivo es abordar la adicción enfermiza a las compras de algunas mujeres motivada por la necesidad consumista de los países desarrollados. Este nuevo fenómeno sociológico, tratado en muchos casos como una auténtica enfermedad, convierte a algunas mujeres en verdaderas "yonquis" de las compras.

Una actriz que representa a una mujer de clase alta, elegante y vestida con ropa y complementos de marca, pasea por una de las calles más lujosas de Madrid y se detiene ante el escaparate de Chanel donde ve algo que se quiere comprar pero no tiene dinero en ese momento. Desesperada sufre un ataque de ansiedad y decide ponerse a pedir a los viandantes, ayudándose de un cartón en el que escribe con su barra de labios: "PIDO PARA UN CHANEL".

La actriz recauda 2 euros, varios pañuelos Kleenex, la tarjeta de un abogado que se ofrece a tramitar su "cercano" divorcio y varias personas que intentan convencerla de que eso no es necesario.

Video subido por la artista el  04/02/2010

Entrevista de Johanna Speidel a Nieves Correa

Primera entrega de la sección “The Window” (“LA VENTANA”). Entrevista realizada por Johanna Speidel a Nieves Correa.

Basándome en la novela “A room of one’s own” de Virginia Woolf, estoy desarrollando el video-documental “The Window ”.

Visito a mujeres artistas en su propia casa delante de su ventana preferida. Les hago una entrevista sobre la pregunta de “qué ven fuera de la ventana y dentro de su casa, cuál es su relación con el exterior y el interior”, teniendo en cuenta tanto la visualización de sus espacios vitales como la influencia de este espacio real y mental en su forma de ser, su vida y su producción artística.

Johanna Speidel

http://www.m-arteyculturavisual.com/2013/05/30/la-ventana-entrevista-a-nieves-correa/

Yolanda Domínguez, Fashion Victims

Bangladesh, Camboya, China… se suceden las tragedias ocasionadas por el mundo del textil, miles de trabajadores esclavizados sostienen los derroches del llamado “primer mundo” y sufren las graves consecuencias del consumismo desmedido al otro lado de la balanza.

Mientras en un lado del planeta la balanza toca el suelo atiborrada de objetos que alimentan el ego, en el otro extremo se desvanecen vidas a cada puntada: ellos sí son los verdaderos “fashion victims”.

Marcas, diseñadores, bloggers, medios… el mundo de la moda no puede obviar los hechos y mirar hacia otro lado. Todos somos responsables de esa realidad, incluso los consumidores podemos transformarla eligiendo productos que respeten a las personas y al medio ambiente.

“Fashion Victims” es una acción urbana inspirada en los recientes acontecimientos en Bangladesh (el derrumbe el 24 de abril de varios talleres textiles que acabaron con la vida de 1.127 trabajadores) que pretende dar visibilidad a los verdaderos “fashion victims”: los trabajadores esclavizados, la explotación infantil y los millones de perjudicados por la contaminación que producen las fábricas en los países de producción.

http://yolandadominguez.blogspot.com.es/2013/05/fashion-victims.html

Marc Montijano arroja a un hombre a la basura

La mañana del 14 de mayo Marc Montijano ha llevado a cabo una turbadora acción artística en nuestra ciduad. El artista ha dispuesto a un hombre completamente desnudo, en actitud inerte, sobre un montón de bolsas de basura en plena calle, a los pies de un contenedor.

Esta performance denominada Wellcome to Paradise, pone el acento en la situación de muchos inmigrantes en este país. El detonante de este proyecto ha sido la reciente muerte del joven senegalés, Alpha Pam, en Mallorca.

Bajo el irónico título Wellcome to paradise (Bienvenido al Paraíso), el artista nos invita a reflexionar sobre la dura realidad que están viviendo los más desfavorecidos en España y, en demasiadas ocasiones, el inhumano trato que reciben. El modelo lleva la cabeza cubierta con uno de sus característicos sacos, porque no representa un caso aislado y concreto sino un problema general y cada vez más extendido. Se trata de una performance con una fuerte carga político-social con la que quiere denunciar una situación límite.

Como ha declarado Marc Montijano su intención es poner el dedo en la yaga:

“Con este proyecto busco crear una imagen para la reflexión, una imagen incómoda de la sociedad en la que vivimos. Somos capaces de desatender a un enfermo y dejarle morir si no cumple los trámites administrativos correspondientes. ¿Qué clase de sociedad hemos construido? En este trabajo no sólo hablo del drama de los inmigrantes, cualquiera que se descuelgue de este frágil estado de bienestar, puede terminar arrojado a la basura”. ”Llevaba tiempo trabajando sobre esta idea, madurando este proyecto, pero nunca pensé que fuera a llevarlo a cabo por un hecho tan inhumano como la que ha ocurrido en Mallorca. El fallecimiento del joven senegalés de 28 años, Alpha Pam, ha sido la gota que ha colmado el vaso, cuando escuché la noticia sentí una mezcla de tristeza y rabia, pero también mucha vergüenza. Creo que todo el que tenga voz, está en la obligación de hacer ruido para que esto no siga pasando”.

http://www.vox.com.mx/2013/05/artista-arroja-a-un-hombre-desnudo-a-la-basura/

Esther Ferrer: Íntimo y personal

En el marco de la exposición «Dar forma al caos y al azar», que reúne obras de Amable Arias, en el centro cultural Koldo Mitxelenas, la artista donostiarra Esther Ferrer representó su performance Íntimo y personal, el 26 de abril de 2013 a las 19:30h.
La performance Intimo y personal, Esther Ferrer la lleva realizando desde 1975, y consiste en medir el propio cuerpo y el de otros. Cuerpos únicos y singulares, lejos del los cuerpos estandarizados de hombres y mujeres ideales que nos muestra la publicidad y la moda.

Durante más de 40 años Esther Ferrer, a través de sus acciones y performances, ha explorado la presencia y la transitoriedad del cuerpo en el espacio social.

Nieves Correa: Me obsesiona el paso del tiempo en el cuerpo de la mujer

No pretende dar grandes discursos a través de su arte, y sí compartir de una forma cercana aquellas cosas que le inquietan apoyándose en la cotidianidad. En ello, Nieves Correa ha invertido toda su carrera, que despegó en los ochenta. Ella y otras mujeres, como Esther Ferrer, Marina Abramovic, Ana Mendieta, Orlan o Rebecca Horn, se han abierto un importante camino en un terreno «en el que siempre ha tenido más visibilidad el trabajo de los hombres», lamenta.

Hoy, Día Internacional de la Mujer Trabajadora, la performer madrileña se instala en el patio del Casal Solleric de Palma para estrenar, a las 20.00 horas, el proyecto As time goes by, una acción en la que plasma su «obsesión por el paso del tiempo», especialmente sobre el cuerpo de la mujer, «tan influenciado por la sociedad, por lo que hay que ponerle encima». Su propuesta ha sido programada con motivo del Festival Miradas de Mujeres.

Correa quiere expresar esta tarde qué sensaciones le produce envejecer y, para ello, irá descubriendo, desnudando las partes de su cuerpo. «53 cortes sobre mi ropa», uno por cada año cumplido, permitirán ver las marcas del tiempo sobre su piel. La artista entiende está acción como «biográfica, de cumpleaños», una performance que «puede repetirse año tras año». Tiene otras de este estilo, comoTill Doomsday, en la que se lanza contra barras de labios, tantas como sus años, que dejan sobre su pecho desnudo una gran mancha roja. «Me interesa la idea de repetir porque nunca es lo mismo, cambia el espacio, el contexto...», explica. Y ha sido precisamente el espacio del Solleric, su patio, el que ha inspirado esta propuesta, una pieza con pocos elementos, libre de interferencias, porque «el espacio en sí ya es muy potente».

Nieves Correa aparca el pudor, entiende su cuerpo como un medio para «expresar lo que soy, sin más, sin todo aquello que la sociedad nos hace llevar por estatus, modas o belleza». Sí reconoce que «el cuerpo es muy potente, llama la atención». Pero el desnudo es algo que ya no debe escandalizar, cree, «lo que escandaliza o crea polémica hoy es la idea de trastocar todo aquello a lo que estamos acostumbrados en el arte».

Mensaje

La artista madrileña ha sido elegida para inaugurar el Festival Miradas de Mujeres en el Solleric. Su mensaje, en este sentido, «no es algo excesivamente evidente», pero «todo lo que hago parte de mí, que soy mujer, tiene un mensaje feminista». Correa opina que en este campo «las mujeres para mí son mejores. Es un género muy nuevo, sólo tiene cien años de vida. No hay tanta tradición, ni carga masculina, como sí la tienen la pintura, la escultura o el videoarte. Hay más igualdad». La artista cree que «la mujer vive el cuerpo con más intensidad que el hombre» y que han sido ellas las que «han dado una vuelta de tuerca al arte de acción» llevándolo a «un estado límite». Además de al grupo ZAJ, todo un referente en su trabajo, Correa destaca a Esther Ferrer. «Es una artista maravillosa, y es admirable cómo ha luchado como mujer, como creadora y como persona. Es un referente y amiga».

FUENTE:  UH Noticias, A. Largo | 07/03/2013

http://ultimahora.es/mallorca/noticia/noticias/cultura/nieves-correa-obsesiona-paso-del-tiempo-cuerpo-mujer.html

Ana Matey, 101 y alguno más

TITULO: 101 Y ALGUNO MÁS

PERFORMER: Ana Matey

Acción! MAD 2010

Duración 70 min

Fotógrafos/as: José Mogrol, Mario Bastian e Isabel León.

Materiales: 19 bandejas de 20 huevos de gallina, alambre y lana.

Breve Sinopsis: De una bolsa negra comienzo a sacar la estructura de alambre construida previamente. Dentro de ellas hay lana, la saco amontonándola y dejando las piezas de alambre en el suelo. Una vez están todas fuera introduzco mi cuerpo en ellas...esto me lleva un buen rato. Una vez lo tengo colocado comienzo a introducir los huevos. En voz alta cuento hasta el 101 y pido a la gente ayuda para continuar la labor de meter los huevos en la estructura de alambre. Una vez se acaban los huevos me dispongo a salir de la galería. Una vez fuera subo un poco la cuesta de la calle y me tiro contra el asfalto.

Más información: http://anamateymara.blogspot.com.es/2010/12/101-y-alguno-mas.html

Esther Ferrer, en Metrópolis

Metrópolis - Esther Ferrer

• Metrópolis - Esther Ferrer

Reportaje de 25 minutos sobre Esther Ferrer en el programa de Rtve Metrópolis. 06 ago 2012 Pionera del conceptual en España y miembro del grupo ZAJ, Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) está considerada la artista de acción más importante de nuestro país. En 2008 se le otorgó el Premio Nacional de Artes Plásticas, aumentando en reconocimiento y en visibilidad una extensa obra que buscando los elementos esenciales y la pobreza de medios, transmite emociones con reflexión propia, ironía y compromiso social.Metrópolis dedica un programa monográfico a su dilatada carrera, en el marco de la exposición que dedicada a su obra podrá verse en el Museo Artium de Vitoria hasta el 8 de enero de 2012, y posteriormente en otros espacios (Baluard Museu d'Art Modern i Contemporani de Palma y CGAC Centro Galego de Arte Contemporánea).

Esther Ferrer: La performance es la forma de arte más democrática

La trayectoria de Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) resume la historia de la performance en España, un género artístico considerado menor por algunos pero que la creadora afincada en París ha sabido llevar a sus más altas cotas. En sus piezas incluye conceptos matemáticos y filosóficos y construye instalaciones con las que refleja las ideas que quiere expresar.

La exposición sobre su obra que se inaugura hoy en el Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) se titula En cuatro movimientos y hace alusión a otras tantas ideas fundamentales que atraviesan su obra: tiempo, infinito, presencia y repetición. “La performance es la forma de arte más democrática que existe. No necesitas nada para hacerla, solo pensar en como llevarla a cabo”, concluye la artista, que obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas en 2008. Con el galardón comenzó a recibir el reconocimiento que merecía por su sólida trayectoria. La muestra que llega ahora al CGAC ha estado antes en Vitoria y en Palma de Mallorca.

Ferrer considera que la performance ha cambiado bastante desde sus comienzos en la década de los 60, tanto por parte del artista que la representa como por el espectador que la ve. “Al principio teníamos la obsesión por alejarnos lo más posible del teatro y, sin embargo, creo que al final la performance ha acabado por influir mucho en los actores teatrales. Creo que es una disciplina que puede ayudar a entender la idea de lo que es arte y de lo que no lo es. No creo que sirva para cambiar el mundo, pero el artista sí que puede ayudar a la transmisión de ciertas ideas”, indica Ferrer.

Más allá de la complejidad de algunos conceptos que la artista maneja en sus obras, a veces la inspiración puede llegarle con una simple noticia en un periódico. “Esto me ocurrió hace un par de años. Tenía previsto una actuación en el Reina Sofía y unos días antes ví una noticia en el periódico en la que se hablaba sobre la muerte de 1.867 inmigrantes que trataban de entrar en Europa. Cambié mis planes e hicimos una performance, con ayuda del público, en la que repetíamos como una letanía los números hasta alcanzar la cifra de muertos”.

Las restricciones que también están afectando al mundo de la cultura en estos tiempos son vistos como algo “normal” por Ferrer: “Si hay recortes en los hospitales y en las escuelas como no va a haberlos en la cultura. El arte tiene que someterse al mismo régimen que otras cosas”. Aunque la tecnología aparece en alguna de sus instalaciones, Ferrer apenas necesita un objeto para transmitir ideas a través de su cuerpo. “La performance es una forma de arte nómada, podemos hacerla en cualquier sitio”, añade.

Fuente: EL PAIS (5 julio 2012)

http://ccaa.elpais.com/ccaa/2012/07/05/galicia/1341513293_308361.html

Esther Ferrer en ARTIUM

Esther Ferrer. En cuatro movimientos

Sala Norte, del 08/10/2011 al 08/01/2012

El accidente es parte de la performance"

"Cuando el concepto está desnudo y todo el mundo lo puede ver, la idea tiene que ser buena"

"Cuando todo está controlado por la institución ya no hay libertad"

"No hago arte para el otro, hago arte para mí"

"El arte es el único espacio de libertad"

Estas frases de Esther Ferrer, recopiladas durante años de conversaciones, nos presentan a una artista radical, independiente, anti-exposición, libre y con ideas propias. Todo ello la ha convertido desde el inicio de su trabajo como artista, que es lo mismo que decir desde que empezó a hacer cualquier cosa, en alguien incómoda y admirable, en un ejemplo para todos y a la vez en alguien difícil de ajustar a los roles asignados a un artista por el sistema artístico actual.

Lleva más de cuarenta años desarrollando un trabajo sistemático, riguroso y metódico en torno al conocimiento del mundo, y aunque ella afirme que solamente le interesa su trabajo mientras lo está haciendo, en su taller, es inevitable buscar qué sucede con esas obras cuando salen de su taller, cuando salen de su boca. Y lo que ha sucedido hasta hace muy poco es que era absolutamente desconocido en España, aunque reconocido internacionalmente. Poco a poco se han ido viendo algunas de sus performances, viendo alguna de sus obras… poco a poco y deslavazadas. Pero es que Esther Ferrer no quiere exponer, y no es fácil, primero, convencerla y, después, reducir su pensamiento a un puñado de obras en unas salas.

Podríamos decir que toda su obra se reduce a una sola: Esther Ferrer. Ella es la obra, no solo ella, su cuerpo y su energía en las performances, sino ella, siempre ella, en sus objetos, en sus autorretratos, en su búsqueda del infinito a través de los números Pi; ella en definitiva, con su cuerpo, su voz, sus ideas, sus palabras, su lógica y su desmesura. Simplemente genial, intentar sistematizar su trabajo y reconducirlo a una exposición resulta una lucha que solo se puede realizar entrando en el epicentro de su pensamiento. Hablando con sus palabras, mirando con sus ojos, tocando con sus manos. Por esto hemos elegido cuatro ideas que están presentes siempre en todos sus trabajos, de una forma o de otra: el tiempo, el infinito, la repetición y la presencia. En cuatro movimientos, en cuatro bloques centrados en cada uno de estos conceptos, la exposición reúne obra objetual, instalaciones y documentación de sus performances, obras esenciales en su trayectoria, y otros trabajos inéditos; algunos nunca vistos, nunca realizados y otros pensados explícitamente para esta ocasión.

No se trata de una muestra retrospectiva, porque Esther no es especialmente amiga de mirar hacia atrás, tampoco es una antológica, porque eso es propio de artistas que han terminado su trayectoria artística y Esther Ferrer sigue activa, como siempre. En cuatro movimientos pretende poner a la vista de todos cuatro de los ejes sobre los que se construye la obra de toda una vida y, especialmente, mostrar una obra de arte siempre en construcción, en permanente progreso y desarrollo: Esther Ferrer.