jueves, 31 de octubre de 2013
miércoles, 30 de octubre de 2013
Marc Montijano en la Galería JM
El sábado 26 de octubre el artista Marc Montijano realizó la
performance Exiguo marmore (Metamorfosis XX), dentro del proyecto MAUS en la
Galería JM. Un trabajo con el que planteaba un reflexión sobre el materialismo
y la fugacidad de la vida.
A las cinco de la tarde, la galería se fue llenando de unos
pobladores particulares, varios modelos en estado de metamorfosis, tomaron el
espacio con la estética que caracteriza las creaciones de este artista
(completamente desnudos, con el rostro cubierto por un saco y rodeados de cuerdas).
El punto central de la acción giró entorno a un amplio escaparate. En él
Montijano dispuso una composición formada por cinco modelos mirando hacia el
exterior, para que los viandantes se los encontraran por sorpresa.
A los poco minutos, numeroso público se fue agolpando en la
entrada de la galería. A través de la cristalera observaban como, uno a uno, el
artista iba disponiendo a los modelos por la sala, hasta un total de ocho.
Permanecían expectantes e incluso hablaban bajo, a pesar de estar en la calle,
como si no quisieran malograr el ambiente que se genera entorno a las obras de
este artista, con ese halo de espiritualidad.
Durante toda la performance, este grupo de esculturas vivas
permaneció inmóvil, a modo de espejo interior, recordándonos quienes somos en
realidad. Como ha indicado el artista: "Esta obra nos retrata a todos, es
como un espejo en el que la sociedad puede ver su interior, exhibo nuestra
naturaleza espiritual. Lo planteo como una crítica al materialismo inútil que
demasiadas veces gobierna nuestra vida y enturbia nuestra percepción de la
vida".
El título de esta performance, Exiguo marmore (pequeño
mármol, en latín), lo ha tomado Marc Montijano de una frase de Propercio, un
poeta latino del siglo I a.C.: "Pronto sólo seré un nombre en un pequeño
mármol". Una aseveración que coincide con la filosofía de Metamorfosis y
que nos habla de lo poco que importan los éxitos materiales y mundanos que tanto
nos preocupan y martirizan.
martes, 22 de octubre de 2013
Joan Morey en Spai Tactel
ESPOLONES 06/09/2013 — 31/10/2013
ESPAI TACTEL presenta una muestra individual de Joan Morey
(Mallorca, 1972) que lleva por título ESPOLONES [Éperons/Spurs/Esperons]. El
artista generalmente utiliza el performance como herramienta principal en el
desarrollo de su obra, aunque prolonga muchos de sus proyectos desde formatos
como el sonido, la imagen de documentación (fija o en movimiento), ediciones
gráficas o restos escenográficos.
Joan Morey toma prestado el encabezamiento de la conferencia
de Jacques Derrida “Espolones. Los estilos de Nietzsche” (1972) como título de
la exposición. Anteriormente el texto de esta conferencia fue el punto de
partida para realizar el guión de un performance del artista
(GRITOS&SUSURROS, Conversaciones con los Radicales, 2009) cuyo registro
sonoro es el epicentro de la muestra. En esta ocasión la pieza de audio (que invade
todo el espacio) sirve como partitura de la que se desprenden el resto de
obras.
ESPOLONES [Éperons/Spurs/Esperons] reúne una serie de
trabajos en los que Joan Morey emplea palabras o textos de carácter ideológico
para reducirlos a diagramas de significado. De este modo aparecen piezas en
formatos y soportes diversos (que van desde la instalación —a modo de mapa de
objetos que de algún modo ilustran el texto— pasando por la fotografía o el
dibujo —a través del que presenta situaciones confeccionadas a partir de
palabra escrita). A grandes rasgos es una propuesta que tiene como premisa el
uso de la “palabra” como soporte y de la “voz” como medio para insistir en el
leitmotiv que subyace en la mayoría de sus trabajos: la dialéctica del amo y el
esclavo en un acercamiento y análisis de los dispositivos de poder con el fin
de resituarlos en un plano de actuación artística.
Más información: http://espaitactel.com/espolones/
lunes, 7 de octubre de 2013
jueves, 12 de septiembre de 2013
Esther Ferrer, El arte de la performance
Esther Ferrer. Extractos de "El arte de la performance: teoría y práctica" from Es Baluard on Vimeo.
Extractos de la performance titulada "El arte de la
performance: teoría y práctica", que Esther Ferrer (San Sebastián, 1937)
llevó a cabo en Es Baluard el 26 de enero de 2012 como actividad paralela a la
exposición “En cuatro movimientos”. Esther Ferrer fue reconocida con el Premio
Nacional de Artes Plásticas 2008 y es uno de los precursores de la performance
en España.
jueves, 22 de agosto de 2013
Entrevista a Blanca de la Torre sobre Regina José Galindo
Begoña Zubieta entrevista a Blanca de la Torre, comisaria de la exposición "Piel de Gallina" de Regina José Galindo para el programa Forum de EITB.
martes, 30 de julio de 2013
Piel de gallina, Regina José Galindo
El Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Las Palmas de
Gran Canaria presenta la exposición ‘Piel de gallina’, de la artista
guatemalteca Regina José Galindo, que se podrá visitar hasta el 3 de noviembre
en las salas de las plantas 0 y 1 de este centro de arte. ‘Piel de
gallina’ es la primera retrospectiva en España y Europa de la creadora
latinoamericana.
Coproducida por Artium, TEA y el CAAM, la muestra está
integrada por vídeos, fotografías y objetos que son el reflejo de las
performances que ha realizado desde 1999, en las que la artista perturba y
emociona al someter a su cuerpo a situaciones extremas como reflejo de una
realidad social dominada por el abuso y la injusticia.
La comisaria de la exposición, Blanca de la Torre, destaca
que las performances de esta artista “funcionan como potentes dispositivos
agitadores, con un impacto innegable. Pero al mismo tiempo actúan como rituales
personales, como pequeños homenajes hacia una colectividad víctima de una
realidad social, de abusos o injusticias. Como ella misma dice, Regina utiliza
el cuerpo como reflejo de otros cuerpos”.
METÁFORAS DE LA INJUSTICIA
En la obra de Regina José Galindo, -galardonada con el prestigioso León de Oro de la Bienal de Venecia de 2005-, no existe la pretensión de aleccionar al público que se enfrenta a su trabajo. Crea escenas cargadas de simbolismo que, desde su realidad local, la de Guatemala, componen metáforas del sufrimiento y la injusticia en un ámbito global. La emoción que despierta en el público, una alteración del ánimo, intensa, pasajera, agradable o penosa, va acompañada de cierta conmoción somática, que se llega a traducir en esa ‘piel de gallina’, lo que potencia su carga alegórica.
En la obra de Regina José Galindo, -galardonada con el prestigioso León de Oro de la Bienal de Venecia de 2005-, no existe la pretensión de aleccionar al público que se enfrenta a su trabajo. Crea escenas cargadas de simbolismo que, desde su realidad local, la de Guatemala, componen metáforas del sufrimiento y la injusticia en un ámbito global. La emoción que despierta en el público, una alteración del ánimo, intensa, pasajera, agradable o penosa, va acompañada de cierta conmoción somática, que se llega a traducir en esa ‘piel de gallina’, lo que potencia su carga alegórica.
En palabras de Blanca de la Torre, “la piel de gallina es
una manifestación humana por la que elmusculus erector pili,
curiosamente también llamado «músculo horripilante», se contrae, erizándose el
pelo. Este título nos remite a la literalidad de la emoción suscitada por las
obras de la artista, pero también a la propia piel, a lo matérico y a lo humano
de su trabajo”.
El recorrido de la exposición comienza en un ámbito que
responde a la elocución o forma de expresarse, en el que la palabra se erige
como protagonista, comenzando por ‘Lo voy a gritar al viento’, de
1999, cuando la artista se colgó de un puente de la ciudad de Guatemala para
leer públicamente sus poemas. De aquí pasaremos a una serie de obras en las que
su cuerpo se desdobla en una suerte de álter ego para ponerse
en la piel del otro alterado.
Espacios como la Sala Roja nos adentran en la Regina más
carnal, o más bien más descarnada. Aquí una serie de piezas nos acercan a
diferentes métodos de tortura en uso en la actualidad.
El conjunto de piezas que muestran una reconstrucción
ficticia en torno a la Bienal de Venecia, ponen en relación las obras que la
artista ha presentado durante cuatro ediciones de la misma, y sacan a la luz
las posibles contradicciones que la participación en este evento pueda
conllevar. Como obra central que articula este apartado se muestra el León
de Oro, una reproducción de este prestigioso premio que le fue otorgado a
la artista, realizado con posterioridad en oro guatemalteco.
La última parte de la exposición se centra en el concepto de
transmisión, en depositar parte de la acción en ‘el otro’, ese ‘otro’ como
agente activo, bien como vehículo sobre el que recae directamente la acción,
como un personaje más de la trama –entendiendo trama como acción artística–, o
como agente sin el cual dicha acción permanecería totalmente desactivada. La
exposición se concibe así como un viaje de la palabra a través del cuerpo, un
viaje que se articula a lo largo de dos pisos, despertando el musculus erector pili en
el público.
Del 26 de julio de 2013 - 3 de noviembre de 2013.
Más información: http://www.caam.net/es/expos/130726_pieldegasllina.htm
Más información: http://www.caam.net/es/expos/130726_pieldegasllina.htm
Suscribirse a:
Entradas (Atom)