Chris Burden Documented Projects 71 - 74 from angelo on Vimeo.
Interesante video de Chris Burden (Boston, 1946), que recoge documentación
de sus proyectos entre 1971 y 1974.
sábado, 22 de diciembre de 2012
miércoles, 12 de diciembre de 2012
Regina José Galindo: Piel
Vídeo de uno de los trabajos más conocidos de
esta artista guatemalteca. La performance tuvo lugar en el contexto de la 49
Bienal de Venecia (Italia), en 2001.
Ana Matey, 101 y alguno más
TITULO: 101 Y ALGUNO MÁS
PERFORMER: Ana Matey
Acción! MAD 2010
Duración 70 min
Fotógrafos/as: José Mogrol, Mario Bastian e Isabel León.
Materiales: 19 bandejas de 20 huevos de gallina, alambre y
lana.
Breve Sinopsis: De una bolsa negra comienzo a sacar la
estructura de alambre construida previamente. Dentro de ellas hay lana, la saco
amontonándola y dejando las piezas de alambre en el suelo. Una vez están todas
fuera introduzco mi cuerpo en ellas...esto me lleva un buen rato. Una vez lo
tengo colocado comienzo a introducir los huevos. En voz alta cuento hasta el
101 y pido a la gente ayuda para continuar la labor de meter los huevos en la
estructura de alambre. Una vez se acaban los huevos me dispongo a salir de la
galería. Una vez fuera subo un poco la cuesta de la calle y me tiro contra el
asfalto.
Más información: http://anamateymara.blogspot.com.es/2010/12/101-y-alguno-mas.html
Más información: http://anamateymara.blogspot.com.es/2010/12/101-y-alguno-mas.html
lunes, 10 de diciembre de 2012
Metrópolis, Regina Jose Galindo
Monográfico sobre Regina José Galindo en el programa
Metrópolis de RTVE, emitido el 17 de marzo de 2012.
Monográfico de Regina José Galindo from Miguel Angel on Vimeo.
http://www.rtve.es/alacarta/videos/metropolis/metropolis-regina-jose-galindo/1356005/
Monográfico de Regina José Galindo from Miguel Angel on Vimeo.
http://www.rtve.es/alacarta/videos/metropolis/metropolis-regina-jose-galindo/1356005/
lunes, 29 de octubre de 2012
Regina José Galindo: Quien puede Borrar las huellas
Regina José Galindo, Quién Puede Borrar las Huellas? 2003
viernes, 19 de octubre de 2012
Esther Ferrer, en Metrópolis
viernes, 27 de julio de 2012
Esther Ferrer: La performance es la forma de arte más democrática
La trayectoria de Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) resume
la historia de la performance en España, un género artístico considerado menor
por algunos pero que la creadora afincada en París ha sabido llevar a sus más
altas cotas. En sus piezas incluye conceptos matemáticos y filosóficos y
construye instalaciones con las que refleja las ideas que quiere expresar.
La exposición sobre su obra que se inaugura hoy en el Centro
Galego de Arte Contemporánea (CGAC) se titula En cuatro movimientos y hace
alusión a otras tantas ideas fundamentales que atraviesan su obra: tiempo,
infinito, presencia y repetición. “La performance es la forma de arte más
democrática que existe. No necesitas nada para hacerla, solo pensar en como
llevarla a cabo”, concluye la artista, que obtuvo el Premio Nacional de Artes
Plásticas en 2008. Con el galardón comenzó a recibir el reconocimiento que
merecía por su sólida trayectoria. La muestra que llega ahora al CGAC ha estado
antes en Vitoria y en Palma de Mallorca.
Ferrer considera que la performance ha cambiado bastante
desde sus comienzos en la década de los 60, tanto por parte del artista que la
representa como por el espectador que la ve. “Al principio teníamos la obsesión
por alejarnos lo más posible del teatro y, sin embargo, creo que al final la
performance ha acabado por influir mucho en los actores teatrales. Creo que es
una disciplina que puede ayudar a entender la idea de lo que es arte y de lo
que no lo es. No creo que sirva para cambiar el mundo, pero el artista sí que
puede ayudar a la transmisión de ciertas ideas”, indica Ferrer.
Más allá de la complejidad de algunos conceptos que la
artista maneja en sus obras, a veces la inspiración puede llegarle con una
simple noticia en un periódico. “Esto me ocurrió hace un par de años. Tenía
previsto una actuación en el Reina Sofía y unos días antes ví una noticia en el
periódico en la que se hablaba sobre la muerte de 1.867 inmigrantes que
trataban de entrar en Europa. Cambié mis planes e hicimos una performance, con
ayuda del público, en la que repetíamos como una letanía los números hasta
alcanzar la cifra de muertos”.
Las restricciones que también están afectando al mundo de la
cultura en estos tiempos son vistos como algo “normal” por Ferrer: “Si hay
recortes en los hospitales y en las escuelas como no va a haberlos en la
cultura. El arte tiene que someterse al mismo régimen que otras cosas”. Aunque
la tecnología aparece en alguna de sus instalaciones, Ferrer apenas necesita un
objeto para transmitir ideas a través de su cuerpo. “La performance es una
forma de arte nómada, podemos hacerla en cualquier sitio”, añade.
Fuente: EL PAIS (5 julio 2012)
http://ccaa.elpais.com/ccaa/2012/07/05/galicia/1341513293_308361.html
jueves, 12 de julio de 2012
Lorena Wolffer, entrevista
Lorena Wolffer (México D.F., 1971), http://www.lorenawolffer.net/
Otros vídeos interesantes sobre la artista:
http://www.youtube.com/watch?v=d9ljeLmRXDs&feature=youtu.be
http://www.youtube.com/watch?v=uHhgpTD88xU
martes, 3 de julio de 2012
lunes, 11 de junio de 2012
Franko B, I’m thinking of you
I'm Thinking of You - Franko B from thomas qualmann on Vimeo.
Performance de Franko B en el Chelsea theatre, de Londres, realizada en noviembre de 2009. Música compuesta e interpretada por Helen Ottaway.
martes, 5 de junio de 2012
Entrevista a Valie Export
En 1967 Waltrud Lehner-Hollinger (Linz, Austria, 1940)
decide convertirse en Valie Export. Dos años después sale a la escena pública
como marca registrada a través de un pastiche publicitario, "Valie
Export-Smart Export". Ya en esta obra temprana encontramos algunas de las
constantes de su obra, como son el tema de la identidad, el cuestionar los medios
de comunicación y su afán por destruir la imagen tradicional de la mujer como
objeto.
La actividad de esta pionera se caracteriza por la valentía,
tanto a la hora de elegir sus temas como a la de enfrentarse a todo tipo de
medios de expresión. Desde el dibujo y los soportes multimedia, hasta su propio
cuerpo en el espacio público. Prueba de ello son sus acciones, fotografías,
esculturas, instalaciones, dibujos y películas.
Toda su obra está impregnada de interés por el
psicoanálisis, por el lenguaje y el vacío existente entre las representaciones
mediáticas y la realidad. Con gran audacia y cierto sentido del humor busca
demostrar el sin sentido de las identidades impuestas, sea por los medios de
masas o por la tradición. En cualquier caso, hemos de buscar nuestra identidad
dentro de nosotros mismos como hace ella en cada una de sus obras.
¿Cuándo y por qué decidiste adoptar el nombre de Valie
Export? ¿Qué simboliza?
Lo decidí cuando comencé con mi labor artística, hacia 1967.
Pensé sobre mi nombre, y pensé que no quería tener el nombre de mi padre, que
no quería tener el nombre de mi marido, quería tener mi propio nombre. Así que
elegí "Export" porque quería exportar mis ideas, salir de mi misma, y
"Valie" era un mote. Así que con mi mote y con "Export" (de
exportar mis ideas) me inventé mi nombre.
Así que no es un alter ego como Rose Sélavy para Marcel
Duchamp, se podría decir que es la identidad que has elegido.
Sí, es una identidad escogida.
La identidad ha sido un tema crucial durante el siglo XX,
¿por qué crees que ha sido así?
Supongo que porque en el siglo pasado han sucedido muchas
cosas para encontrar una identidad o para hablar de identidad. Por ejemplo,
podemos decir "todos somos iguales, todos estamos liberados, todos tenemos
una especie de libertad, no hay separación, no hay personas inferiores ni
personas superiores", así que tenemos una especie de identidad social, una
identidad única, pero dentro de esto tenemos nuestra propia identidad. Esto
hace que tengas tu propia identidad, tu ser, y la otra identidad. Así que es
interesante pensar que todos los seres humanos son iguales, que tienen de
alguna manera la misma identidad, y, a la vez, que cada uno tenemos la nuestra.
Por eso este tema era, es, muy importante para mí, el pensar qué significa mi
identidad en la sociedad, qué significa mi identidad en la civilización, qué
significa para mi misma. La cuestión es ¿quién soy yo?, ¿qué significa una
identidad artística?, ¿qué significa una identidad privada? Así que descubrí
que tenemos muchas identidades, y que hay que unirlas todas, pues si no lo
haces te vuelves loco.
Durante el siglo XX los roles sociales, masculino y
femenino, han sufrido muchos cambios, ¿ha sido el arte un factor importante
para que esto ocurra?
Sufrido no, evolucionado. Sí, desde luego. El arte es una
especie de vanguardia, aunque ya no se use ese término. El arte siempre está
explicando algo sobre la cultura, también sobre la identidad femenina y la
masculina. Pero no sólo ha sido importante el arte, sino también la psicología
y la semántica.
¿Qué artistas te han inspirado y qué artistas contemporáneos
te interesan?
En los sesenta sentía mucha curiosidad, no puedo hablar de
inspiración exactamente, pero había una conciencia común, trabajábamos en temas
parecidos y teníamos los mismos pensamientos. Por ejemplo Yvonne Rainer. No ha
habido tantas mujeres artistas en Europa. Tenía un pensamiento o un sentir
común con Michael Snow. De alguna manera me enteré por revistas y periódicos
que existía algo llamado feminismo, en concreto por medio de revistas
americanas. En Europa realmente no existía, pero surgió con el movimiento
estudiantil: el pensar sobre lo que significaba ser una estudiante, y también
ser madre, tener o no una familia. Me puse a trabajar sobre la manera en que la
Historia del Arte muestra los comportamientos femeninos, en cómo trata a las
mujeres o los temas femeninos. A través de ello pude hacer que mi arte llevase
un mensaje social.
¿Crees que en esa vía aún quedan cosas que decir?
Bueno no conozco lo nuevo, si lo conociera te podría
contestar, pero creo que el proceso es continuo siempre. Aunque ya se han dicho
muchas cosas, se pueden decir muchas más. En cualquier caso no se debería
parar.
Empleas tu cuerpo en muchas ocasiones, ¿por qué?. ¿Crees que
es la mejor manera de transmitir tus ideas?
Sí, uso mi cuerpo. Está bien.
También usas el vídeo, la performance, la fotografía. ¿Cuál
es la mejor manera de transmitir tus ideas?. ¿Depende de lo que tengas que
decir?
Pienso en lo que de verdad quiero decir. Uso los llamados
"nuevos medios", ya desde los años 60, los 70 y los 80. Medios como
el vídeo me permitían trabajar con el espacio y el tiempo, y la fotografía
sobre la idea de la representación, el sujeto y el objeto.
Has sido muy valiente como artista, ¿eres igual de intrépida
en tu vida cotidiana?
Creo que sí, creo que siempre soy igual.
¿De todas tus obras de arte cuál es la que mayor
satisfacción te ha dado?
No te lo puedo decir, depende. Por ejemplo en mi exhibición
en Sevilla, donde había más de 80 obras, al recorrerla y ver algunas obras era
capaz de decir "éste era un buen momento".
¿Cómo describirías la evolución de tu trabajo, establecerías
periodos o es todo un largo proceso?
Es un proceso, siempre es un proceso. No podría establecer
diferentes periodos. Ahora por ejemplo dibujo, y es una locura dibujar después
de usar los nuevos medios. Pero dibujo. Dibujo olas porque las olas son algo
efímero, no existen nunca, cada ola cambia constantemente en millones de
millones de segundos, nunca se da la misma ola. Y esto me resultaba interesante
(lo efímero), pensé que podría mostrar algo en un medio verdaderamente efímero,
por ejemplo instalaciones hechas a partir de lásers; el láser también es muy
efímero, no tienes nada, sólo el láser, el rayo, todo está en el ordenador.
¿Por qué este interés por lo efímero? ¿Para darle mayor protagonismo a la idea
frente a la materia?
No, me interesa porque todo es efímero. Pensamos, tenemos
una memoria, nuestra memoria individual y la colectiva, pero en realidad
siempre están cambiando, y todo depende de cómo veas tu memoria o cómo te
posiciones.
Como profesora en la Universidad de Wisconsin, ¿cuál es la
lección o la idea más importante que intentas transmitir a tus estudiantes?
Que descubran lo que pueden hacer, esto es lo más
importante. Encontrar sus talentos, que vean cuánto pueden crecer y cómo, en qué
pueden trabajar. Esto es lo más importante y sólo se alcanza hablando,
dialogando. Y también les explico los distintos medios con los que pueden
trabajar.
¿Aprendes tú de ellos?
Sí claro, yo también aprendo. Siempre es muy gracioso ver
toda esa obra artística joven. A veces me recuerda a las obras de los 60, pero
otras veces es absolutamente nueva. Uno puede ver las raíces pero sale de otro
comportamiento, de otra batalla. Debería ser otra batalla, los años pasan.
¿Qué diferencia ves entre tus estudiantes y los estudiantes
de tú época? ¿Han cambiado los intereses o sólo el acercamiento?
Ambos, lo que expresan y la actitud. Una cosa que realmente
echo en falta, pero no sólo en mis estudiantes sino en general, es que ya no se
trata la situación social o política. Aunque sí puedo decir que en los últimos
dos o tres años han vuelto a surgir temas como el feminismo y otros intereses
socio-políticos.
¿Hacia dónde crees que se dirige el arte ahora?
No puedo decir hacia donde va, pero debería llevarnos a una
concienciación o un despertar, un entendimiento. ¿En qué estás trabajando
actualmente, además de los dibujos de olas que has mencionado anteriormente?
En una obra cuyo soporte es informático, pero yo no hago la
programación, no sé programar. Ves tus propios ojos en la pantalla, tú puedes
seguir el movimiento de tus ojos, y cuanto más sigues su movimiento más se van
borrando. Después se lee un texto, y sigue otro. Lo que viene a decir es que si
quieres ver tus ojos lo mejor es mirar directamente pero no ocurre nada. Sin
embargo si quieres ver donde miran tus ojos entonces los borras. Tiene que ver
con la persecución, con la realidad, porque siempre hay algo detrás, y detrás
de eso también hay algo, y así sucesivamente.
Es como si quisieras decir que para vernos tenemos que
mirarnos directamente a los ojos.
Pero si hacemos eso entonces no cambiamos. Si fijas la
mirada nada resuelves, por ejemplo, en las normas sociales o en las leyes. Así
no cambias nada. Si te mueves puedes cambiar, hay que estar moviéndose siempre.
Sibley Labandeira
Laura Doñate
FUENTE: Entrevista a Valie Export: http://pendientedemigracion.ucm.es/info/arte2o/documentos/valliexport.htm
jueves, 10 de mayo de 2012
Metrópolis, Tania Bruguera
miércoles, 18 de abril de 2012
Regina José Galindo: Piel de Gallina en Artium
ARTIUM presenta la exposición Piel de gallina, de Regina José Galindo.
Primera gran exposición en España de la artista guatemalteca, cuyas performances son metáfora del sufrimiento y la injusticia social
Exposición:
Regina José Galindo. Piel de gallina
Sala Norte, desde el 27 de enero hasta el 1 de mayo de 2012
Comisaria: Blanca de la Torre
Producida por ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), TEA (Santa Cruz de Tenerife) y CAAM (Las Palmas de Gran Canaria).
viernes, 16 de marzo de 2012
Beth Moysés, Recuerdos Velados
"Son cien mujeres. Caminan en fila por algunas de las
calles más transitadas de Bogotá. Cada una luce un vestido de novia que con la
larga caminata deja de ser un pulcro recuerdo ceremonial y se transforma en un
traje desgastado y sucio. En las manos de cada mujer reposa una canastilla y en
ellas un montón de recordatorios que entre almendras y tarjetas evocan algún
viejo y dulce ritual.
Recuerdos Velados, nombre del performance de Beth Moysés, ha
sido visto en diversos países. En él se conjugan varios de los elementos que
han marcado la propuesta de la artista brasilera, quien a partir de aspectos
como la memoria, la decepción y la resistencia ha logrado consolidar un
discurso estético en que, más allá de los estereotipos, el fin se convierte en
principio y las historias dulces se pierden en desenlaces trágicos.
El recuerdo impreso en aquellos trajes, la evocación de
momentos aparentemente felices, son solo un punto de partida para reconstruir
un centenar de destinos cuyas escenas posteriores no siempre coinciden con esos
fragmentos de memoria. Unos destinos que, incluso, en medio de la acción
artística se ven marcados por los comentarios displicentes de la calle, los
piropos machistas y los cambios de ritmo que se desprenden de las diferencias
“ambientales” (medidas por la agresividad) entre unas calles y otras.
La estación “final”, si es que esa palabra cabe, la iglesia
de Lourdes. Cien novias congeladas frente a su fachada por algunos minutos para
luego disponerse a repartir recordatorios entre los presentes. Ese punto
protagónico del ritual marcado por la palabra “miedo” y algunas almendras se da
justo cuando los trajes han perdido su esplendor, como resultado de la rutina
previa, y los antes han sido reemplazados por este único momento en que
mentiras y verdades se confunden en un trozo de tul.
La acción que pudo observarse en Bogotá contó con la
participación de mujeres colombianas que estuvieron inmersas en alguna
situación violenta. Y se desarrolló como parte de los actos de conmemoración
del día de la mujer, gracias a organizaciones como la Fundación Arteria y UNIFEM".
Texto: Olga Lucía Lozano.
Más información y texto completo: http://lasillavacia.com/sites/default/files/media/labutaca/estonoesbonito/8411/8411_resena.html
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